20세기 초 산업발전을 바탕으로 태동하게 된 팝아트는 고급예술과 저급예술의 경계를 허물고 일상의 영역을 예술의 영역으로 끌어들여 대중의 삶과 멀게만 느껴졌던 예술의 경계를 없애고 대중문화와 예술의 단합을 촉진하게 된다. 팝아트의 경향에 속한 여러 예술가들은 미술과 삶을 좀 더 유머러스하고 아이러니컬한 방식으로 표현하기도 하였다. 그 예술가들 중 클래스 올덴버그는 일상의 오브제를 예술작품의 소재로 하여 모더니즘 조각의 형식에서 벗어나 대중친화적인 작품을 제작함으로써 팝아트의 중심에 서게 된 작가라고 할 수 있다. 그는 평범한 일상의

우리에게 흔히 닉서화가라 알려진 장 미쉘바스키아는 1960년 뉴욕의 브루클린에서 아이티계 회계사인 아버지와 예술에 조예가 깊었던 푸에르토리코계 어머니사이에서 태어난 흑인화가이다.그는 미국 사회의 이면이 적나라하게 드러나는 곳에서 다른 흑인 친구들과 어린시절을 보냈다. 생활형편이 어려워진 바스키아 가족은 어머니의 고향인 푸에르토리코로 이사를 가게 되지만 바스키아는 예술적 감성과 뉴욕에 대한 향수로 17때 가출하여 뉴욕 브루클린으로 돌아온다.그러나 작업실도 잘 곳도 없었기 때문에 거리의 아이로 생활하며 뉴욕거리와 지하철에서 낙서를 통해

미술에서 미학적으로 사용되는 키치(kitsch)라는 용어가 있다. 키치는 19세기 말 급속한 산업화와 함께 삶의 질적 향상이 가져다준 중산층의 예술작품에 대한 소유욕이 증가하자 그들의 문화욕구를 만족시키는 그럴 듯한 그림을 비꼬는 의미로 사용되던 개념이다. 그러나 20세기 후반에 들어와 미적 논의의 대상으로서 문화적 의미를 가지게 되었고, 현대에 이르면서 고급문화나 고급예술과는 별개로 대중 속에 뿌리박은 하나의 예술 장르로까지 개념이 확대되어 현대 대중문화·소비문화 시대의 흐름을 형성하는 척도를 제공하기도 하였다.키치가 가리키는 구

1839년 사진의 발명된 이후 오랫동안 사진과 회화는 포스트모더니즘시대가 도래하기까지 꽤 오랫동안 하나가 될 수 없는 이질적인 매체로 존재해왔다. 이는 재현의 수단으로서의 자리를 사진에게 내어준 화가들이 예술의 창조적 과정과 함께 순수주의의 미학적 자율성을 그 핵심적인 가치로 내세웠기 때문이다. 그러나 이렇게 미술 고유의 영역을 주장하면서 양식화된 모더니즘 미술은 점차 독단적인 자기모순에 빠지게 된다. 이에 모더니즘의 형식주의에 의문을 제기한 20세기미술가들은 사진기술을 새로운 미술을 위한 적합한 매체로서 적극적인 차용을 시도한다.

에릭 휘슬은 1948년 뉴욕태생 현존 작가이다. 1960~70년대 미국의 미술계는 `회화는 죽었다'는 개념이 팽배했던 시기로서 미니멀아트와 개념미술이 `good art'라 칭송받으며 주류를 이루었고, 형상이 들어간 그림은 `bad painting'라 하여 비평을 받던 시기였다.그러나 휘슬은 추상회화는 자신이 전달하고자 하는 바를 표현하지 못한다는 것을 인지하고 구체적인 형상이 들어간 작품을 추구한다.휘슬의 작품을 한마디로 표현한다면 `회화적 내러티브'이다. 이는 그림이 이야기의 흐름을 보여주는 방식으로,

1970년대 미국사회는 그 어느 때보다도 페미니즘운동이 각 영역에서 활발하게 전개되었던 시기였다. 미술이서도 예외는 아니다. 페미니즘의 사회적 확산 속에서 여성 미술가들은 그동안 남성 중심주의 사회적 환경 속에서 폄하되어왔던 여성의 권익과 정체성을 찾기 위해 다양한 형식의 미술작품을 전개하였다.이 시기에 많은 여성미술가들이 페미니즘 미술을 전개하였으나 특히 지금까지도 페미니즘 미술계에 가장 큰 반향을 불러일으킨 작품으로 평가되고 있는 것은 주디시카고의 기념비적인 작품 이다.는 역사

필자는 두 번째 그림읽기에서 자화상을 극사실적으로 그린 하이퍼리얼리즘 작가 척크로스를 소개한 적이 있다. 하이퍼리럴리즘 작품은 작가의 주관성이 최대한 배제되고 최대한 사실적이게끔 표현하는 일련의 작품들을 말한다. 그러나 평면회화와는 달리 그것이 조각으로 표현되면 어떠하겠는가? 여기 사진 한 장이 있다. 사진 속에는 청소부와 한 신사가 나란히 서 있다. 하지만 두 사람 중 하나는 실제 사람이 아닌 조각 작품이다. 당신은 둘 중 어느 것이 조각인지 구별할 수 있겠는가? 어느 쪽을 선택하든 절반의 확률이니 밑져야 본전인 셈치고 한번 맞춰

무엇이 먼저 보이는가? 선인은 천사가 먼저 보이고, 악인은 악마가 먼저 보이는가? 당신은 선인인가, 악인인가? 네덜란드 태생의 화가이자 판화가인 모리츠 에셔의 판화작품 이다.에셔는 기묘한 시지각적 반응을 불러일으키는 작품으로 널리 알려진 그래픽 아티스트이다. 복잡하게 상호 결합되어 있는 상반된 패턴들의 반복적인 구조나 뫼비우스의 띠처럼 시각적 착각을 표현한 작품들은 그를 다른 어떤 작가와도 구별 지어주는 아이콘이다. 에셔는 에스파냐 여행 중 보게 된 알함브라궁전의 아라베스크 양식의 모자이크를 보고 타일

성형수술하면 가장 먼저 떠오르는 것은 아마도 예뻐지기 위한 하나의 수단일 것이다. 요즘은 과거와는 달리 남녀노소를 불문하고 누구나 성형수술을 하고 있으며 그 이유 또한 다양하다. 그러나 그 이유의 다양성과는 달리 공통된 목적은 외모를 좀 더 미적으로 변화를 주기 위한 것일 것이다. 그러나 성형수술이라는 외과적 시술을 미를 위한 수단이나 의료적인 목적이 아니라 하나의 예술 기법으로 채택하여 자신의 신체에 외과용 메스(scalpel)를 대는 한 예술가가 있다. 바로 프랑스 태생의 복합매체 작가이자 행위예술가인 성 오를랑이다.오를랑의 첫

수많은 미술가가 다양한 방법들로 자화상을 표현해왔다. 이는 인간의 신체가 자신을 재현해내는 과정에서 자신의 정체성을 찾아가는 한 방식으로 작용할 뿐만 아니라 자아를 탐구할 수 있는 거울과 같은 역할을 하기 때문이기도 하다. 미국의 사진작가인 신디 샤먼은 다소 독특한 방식으로 자화상을 그려내었다. 그녀는 1950~60년대의 영화와 광고 속에서 구축되어온 정형화된 여성의 이미지를 스스로 모델, 사진가, 연출가가 되어 재현함으로써 표현하였다. 이라는 그녀의 초기 자화상시리즈는 모두

과천 국립 현대미술관에 가본 사람이라면 중앙 홀에서 가장 먼저 관객을 반기는 비디오 아트의 시조인 백남준의 작품 을 보았을 것이다. 개천절인 10월 3일을 의미하는 1003개의 모니터들이 제각기 빛의 소리를 내며 하모니를 이루는 작품이다. 이제 우리는 비디오아트를 예술이라 이름하는데 누구도 이의를 제기하지 않는다. 그러나 반세기 전만 해도 미디어를 활용한 영상매체를 예술작품으로 만든다는 것은 뒤샹의 레디메이드와도 같이 예술에서는 또 다른 혁명과도 같은 것이었다.1963년 3월 독일의 소도시 부버탈에서 텔레비전 13대가 동

1917년 뉴욕의 한 전시장에서 가 주관한 한 전시회가 열렸다. 이 전시회에 2126점의 작품이 출품되었는데, 그 중 단 한 점의 작품만이 전시가 거부되었다. 그것은 바로 마르셀뒤샹의 이라는 작품이었다. 뒤샹은 소변기 설비업체인 J.L.Mott사의 기성품에 자신의 이름이 아닌 `R. Mutt 1917'이라고 서명한 후 90°로 뒤집어 출품하였다. 전시가 거부된 이유는 공장에서 생산된 기성품에 단지 예술가의 서명만이 있는 물건을 당시 미술제도권의 미학적 기준으로는 예술 작품으로 받아들일 수 없었던 것이다.

1911년 프랑스 태생의 여류작가인 루이스 부르주아는 성에 대한 트라우마를 지닌 작가였다. 이는 그녀의 유년 시절 아버지의 외도에서 비롯된 것으로서 그녀의 아버지는 부르주아의 가정교사와 간통을 하였고, 그녀의 어머니는 이를 공공연하게 묵인하며 10년이라는 세월을 함께 산다. 이러한 가정환경은 부르주아뿐만 아니라 그녀 형제들의 성격 형성에도 영향을 주게 되는데, 그녀의 언니 앙리에뜨는 지체불구자였음에도 불구하고 문란한 성생활을 즐 겼으며, 동생인 피에르는 괴팍하고 잔인한 새디스트적인 성격을 지니게 된다.더구나 어린 부르주아는 언니의

오래전 필자는 서울의 한 미술관에서 제임스 터렐의 초기 작품을 관람한 적이 있다. 당시 어두운 방안에 푸르른 빛만이 커다란 벽면에 투사된 작품이었는데, 벽면이 마치 무한의 심해 속으로 이어질 듯한 느낌을 주는 작품이었다. 필자는 그 빛 앞에서 갑자기 궁금해졌다. 그 안에 손을 넣으면 아무것도 만져지지 않는 깊이를 알 수 없는 빛으로 가득한 허공뿐일 것만 같았다. 작품 가까이 다가가 손을 넣어보았다. 순간 바로 와 닿는 차가운 벽면의 촉감에 깜짝 놀라고 말았다. 눈에 의한 지각이 공간의 깊이에 대해 혼동을 한 것이다.그리고 몇 년 후

크리스토 자바체프하면 가장 먼저 떠오르는 것은 아마도 거대한 스케일의 자연환경이나 인공의 건축물을 포장하는 `포장미술'일 것이다. 그러나 그의 예술작품을 한마디로 규정하기란 쉽지 않다. 그의 작품은 대지를 캔버스로 하는 대지미술이고, 과정을 중시하는 프로세스아트이며, 자연환경의 특수성을 활용한 장소 특정적 설치미술이자 오브제로서의 예술작품 생산이 아닌 예술가의 개념에 의존한다는 점에서 개념미술이라 할 수 있다. 따라서 그의 작업은 이러한 모든 예술의 범주들이 어우러져 하나의 프로젝트의 형식을 빌려 완성되는 환경미술이라 해야

당신은 지금 무엇을 하고 있는가? 출퇴근길 러시아워에 있는가? 저녁 식사를 위해 가족과 식탁에 둘러앉아 있는가? 카페에서 누군가를 기다리며 커피를 마시고 있는가? 아니면 사랑이 끝난 후 침대 위에 앉아 있는가?한 여인이 레스토랑 창가의 빈 테이블에 홀로 앉아있다. 창문 밖에서는 한 남자 뭔가를 골똘히 생각하며 주머니에 손을 넣고 고개를 숙인 채 레스토랑 밖을 지나간다. 레스토랑을 완전히 지나치지는 않았지만, 레스토랑 안에 진열품처럼 앉아 있는 여인도 밖을 걷고 있는 남자도 서로를 알아차리지는 못한다. 정지된 시간 속에 얼어붙은 이

뒤샹의 레디메이드의 다다적인 제스처가 현대 미술가들에게 무한한 권위를 부여한 결과로 이어진 이래 미술에 있어서의 오브제의 사용은 회화와 조각의 이분법적 경계를 해체하였을 뿐만 아니라 예술 표현의 민주화를 촉발시켰다. 이와 더불어 오브제의 발전된 양상인 정크아트의 앗상블라주 기법은 새로운 공간 세계의 장을 열어주어, 현대 미술가들의 조형작업은 과거의 개념과는 전혀 다른 새로운 양상을 띠고 전개된다. 앗상블라주 기법은 우리 주위에서 볼 수 있는 잡다한 물건들을 모아 평면적인 타블로이드회화에 삼차원성을 부여하는 기법으로서, 이 기법에 의

2001년 9월 11일 오사마 빈 라덴이 조직한 국제 테러조직인 알카에다(Al-Qaeda)가 뉴욕의 세계무역센터와 미국 국방부(펜타곤)에 테러를 가했다. 이에 미국은 이슬람 세계를 테러의 배후로 지목하고 `테러와의 전쟁(War on terror)'을 선포한다.조지 부시 행정부는 알카에다와 밀접한 관계를 맺으며 빈라덴을 보호하고 있던 아프가니스탄의 탈레반 정권을 몰아내고, 뒤이어 석유자원을 국유화하여 미국을 위협할 수 있는 이라크의 독재자 사담 후세인이 비밀리에 대량살상무기를 개발하면서 알카에다를 비롯한 테러조직들과 관계를 맺

사진 이미지와 텍스트를 결합하여 개념적인 예술표현 양식을 전개한 바바라 크루거의 예술 표현은 남성 지배구조하에 조성된 사회적 제도권의 권력이 당시 사회적 약자인 여성들에게 불리하게 작용하는 것에 대한 대항이다.1960~1970년대 당시 미국사회에서 남성 우위의 정치하에 여성에 대한 억압이 낳은 결과는 크루거의 주된 관심사였다. 그녀는 자본주의와 철저한 소비중심사회, 그 속에서의 남성들이 만들어낸 제도의 통제 속에 갇혀있는 여성의 모습들을 사진 이미지와 텍스트를 결합하여 작품화함으로써 사회의 불합리함을 고발한다.크루거의 작품들에서 병

살아 움직이는 생명체에서 `살'이라는 것은 인간과 동물의 공통영역이자 이 둘을 구분할 수 없는 요소이기도 하다. 프랜시스 베이컨은 인체에 기형적인변형을 하거나 난도질하여 인체를 한갓 푸줏간의 고깃덩어리와 동등하게 위치 지움으로써 인간의 본질을 탐구하였다. 그의 회화 속에서 동물과 인간은 경계 없는 하나가 된다. 짓이겨지고 뭉개진 `형상'은 기관이 분화되기 이전, 즉 기관 없는, 더 이상 사람도 동물도 아닌 그저 우리의 신경계를 자극하여 소름을 돋게 하는 물감덩어리에 지나지 않는다.이는 회화의 폭력이다. 베이컨은 `회화